La fine dell’innocenza artistica - Autorialità nell’arte generativa
- Astrea Nicodemo
- 3 mar
- Tempo di lettura: 11 min
Astrea Nicodemo
Il prompt o il prodotto?
La questione centrale dell’autorialità nell’arte generativa
" I bravi artisti copiano; i grandi artisti rubano."
La citazione, erroneamente attribuita a Picasso da Steve Jobs, ha in realtà una lunga storia di differenti interpretazioni ed è sopravvissuta perché rivela un retroscena scomodo: “l'arte è sempre stata ricorsiva”. Ogni capolavoro porta con sé i fantasmi delle forme precedenti. L'innovazione raramente scaturisce dal nulla, ma è piuttosto una ricombinazione, una mutazione, o una ricontestualizzazione.
Dietro la bellezza delle opere d’arte si nasconde anche qualcosa di più inquietante e complesso. Quando il visionario è potente, l’appropriazione della sua arte, da parte di altri artisti, diventa “influenza”. Quando il visionario è sconosciuto, la sua autorialità può essere totalmente cancellata. Così, ciò che inizia come influenza, si trasforma in appropriazione indebita.
La differenza non la fa la copia, ma il potere e l’autorevolezza.
E allora che cosa significa autorialità nell’arte generativa?
Copiare dalla storia dell'arte
Il Rinascimento si basava sull'imitazione. Fu la rinascita di qualcosa che era già esistito. Michelangelo studiò ossessivamente la scultura greco-romana, assorbendo proporzioni, muscolatura e armonia compositiva. Il suo David non fu un miracolo isolato, ma una trasformazione degli ideali classici in umanesimo cristiano. Caravaggio non inventò la sua drammatica luce dal nulla. Intensificò la luce presa in prestito dai suoi predecessori veneziani, traducendola in opere di straordinaria bellezza, uniche nel loro genere.
L'influenza non era vergognosa. Era strutturale.
Nel ventesimo secolo, l'appropriazione divenne una strategia esplicita. Quando Marcel Duchamp presentò Fountain nel 1917, dichiarò che la selezione stessa poteva costituire la paternità. La produzione non era più necessaria. L'atto artistico si era trasformato da manuale a concettuale.
Les Demoiselles d'Avignon (1907), di Pablo Picasso, spesso acclamata come una rottura radicale nell'arte occidentale, incorpora indiscutibilmente il linguaggio visivo delle maschere africane. Eppure gli scultori africani, le cui innovazioni formali contribuirono alla nascita del Cubismo, rimasero anonimi nella storia dell'arte per decenni. Picasso divenne il genio. Le culture all’origine delle sue opere dirompenti divennero "ispirazione e influenza".
Nel 1981, Sherrie Levine fotografò nuovamente le immagini di Walker Evans dell'epoca della Grande Depressione e le espose come opere proprie (After Walker Evans). Il mondo dell'arte non la liquidò come plagiatrice. Al contrario, l'opera divenne una pietra miliare della critica postmoderna, che metteva in discussione l'originalità, l'autorialità e il mito del genio solitario. Levine dimostrò che il contesto può trasformare la copia in arte concettuale.
La storia dell'arte rivela un modello. L'influenza viene celebrata quando proviene da una fonte autorevole. Diventa appropriazione indebita quando ad avere potere è chi trae influenza da una fonte debole.
L'industria della moda e la copia sistemica
La moda rende il meccanismo ancora più esplicito.
Spesso si paragonano i corsi e ricorsi della moda ad un sacco della spazzatura che ogni x anni viene capovolto e il capo che appare come il primo nel mucchio diventa la tendenza. Non è propriamente così, ma l’influenza di precisi periodi storici o di movimenti culturali è fondamentale per la determinazione dello stile. La moda si ispira sempre a qualcosa. Molto spesso è ispirata da se stessa e dalle epoche precedenti che ne hanno fatto la fortuna o la rovina.
Negli anni '80 e '90, stilisti come Martin Margiela iniziarono a decostruire i capi d’abbigliamento, esponendo cuciture e fodere, trasformando la decostruzione in linguaggio estetico. Alcuni anni più tardi, il minimalismo destrutturato divenne mainstream, assorbito e mercificato dai marchi globali.
Più sconcertante è il fatto che gli stilisti indipendenti vedano spesso le loro creazioni riprodotte dai giganti della fast fashion, anche solo poche settimane dopo una loro sfilata. Zara e H&M hanno affrontato ripetute accuse di copiare il lavoro di designer emergenti per replicarlo su scala industriale.
Ancora più controversi sono i casi di appropriazione culturale. Le influenze di motivi tradizionali di culture esotiche, come i ricami messicani, le perline indigene, i modelli Maasai, solo per citarne alcuni, fanno parte di un comune modo operativo, non soltanto della moda.
Quando la copia diventa contenzioso
La moda è il campo in cui l'imitazione spesso diventa contenzioso legale. Gli esempi sono numerosi.
Nel 2009, Gucci America, Inc. ha fatto causa a Guess?, Inc. per violazione del marchio, sostenendo che Guess avesse sistematicamente copiato il logo G, la striscia verde-rosso-verde e verde di Gucci, la caratteristica di Gucci a intrecciamento e la falsa denominazione di origine. Dopo anni di contenziosi globali, i tribunali statunitensi hanno concesso a Gucci circa 4,7 milioni di dollari e un'ingiunzione permanente contro alcuni dei disegni contestati da parte di Guess; altre giurisdizioni hanno prodotto risultati contrastanti. La controversia è stata infine risolta nel 2018 con termini riservati, ma rimane una pietra miliare nel contenzioso sulla proprietà intellettuale della moda.
A metà degli anni 2000, Forever 21 affrontò più di 20 cause legali da parte di stilisti come Diane von Furstenberg, Anna Sui e altri, che accusavano l’azienda di avere copiato i loro modelli. Sebbene pochi contenziosi portarono a verdetti giudiziari definitivi a causa degli ostacoli legali nella protezione del design dell'abbigliamento, si conclusero alcuni accordi e a Forever 21 fu permanentemente vietato di duplicare specifici design DVF.
Il colosso del fast fashion Shein è stato ripetutamente citato in giudizio da designer indipendenti che accusano di copiare pedissequamente disegni e modelli registrati. In alcuni richiami, i querelanti hanno persino sostenuto che si trattasse di replica assistita dall'IA del loro lavoro originale. Nel gennaio 2024, Uniqlo ha intentato causa in Giappone contro Shein Japan per l’imitazione della sua bestseller Mary Poppins shoulder bag.
Nel caso Star Athletica, LLC contro Varsity Brands, Inc. (2017), la Corte Suprema degli Stati Uniti ha stabilito che gli elementi estetici dell'abbigliamento (ad esempio, i modelli di design grafico) possono essere protetti da copyright se possono essere mentalmente separati dalla funzione utilitaristica del capo. Questa sentenza ha rappresentato una svolta nel diritto d'autore della moda, ampliando gli strumenti legali che i designer possono utilizzare per proteggere gli elementi di design espressivo e mettendo in discussione l'assunzione secolare che l'abbigliamento in sé non potesse essere protetto da copyright.
La storia della moda sottolinea un punto cruciale: la copia nella produzione culturale non è né nuova né lineare. Quando l'imitazione diventa una replica totale a velocità industriale, anche attraverso l’uso della generazione con IA basata su enormi dataset di immagini, la posta in gioco diventa etica, legale e filosofica.
Cervello Artificiale vs Cervello Umano
L'intelligenza artificiale non fa l'apprendistato sotto un solo, o alcuni maestri. Si allena su vasti dataset composti da milioni, a volte miliardi, di immagini e testi. Non "ricorda" in termini umani. Codifica le relazioni statistiche nello spazio latente.
Eppure, per l'artista umano la cui firma estetica appare nelle produzioni generate, la distinzione tra codifica statistica e imitazione può sembrare vana.
Gli esseri umani copiano selettivamente e lentamente. L'IA sintetizza collettivamente e istantaneamente.
L’inconveniente della copia non è nuovo, come abbiamo visto. Nel caso dell’IA è super accelerato.
Abbiamo sempre preso in prestito dal passato. Ma ora il prestito è automatizzato, invisibile e amplificato oltre la comprensione umana. Questo fatto solleva domande urgenti riguardo all'autorialità dell'arte generativa, alla proprietà creativa nell'era dell'IA e ai confini in evoluzione della proprietà intellettuale nei sistemi di machine learning.
Sotto i dibattiti legali ed economici si cela un'indagine filosofica più profonda. Viene infatti da domandarsi quando l'IA è il mezzo creativo, che cosa diventa esattamente l'arte?
Prompt vs. Prodotto
Sol LeWitt, pioniere dell'arte concettuale, scrisse nel 1967:
"L'idea diventa una macchina che crea l'arte."
LeWitt spesso forniva istruzioni scritte per i disegni murali eseguiti da altri. Il disegno fisico poteva variare, ma il concetto, l'istruzione, era la vera opera d'arte.
Ti suona familiare?
Nell'arte generativa, è il prompt a funzionare come l'istruzione di LeWitt. Il modello AI esegue. L'artista cura l'esito.
Eppure c'è una differenza. Gli assistenti di LeWitt erano umani e visibili. I sistemi di IA sono addestrati su moltitudini di dati invisibili.
Gli artisti non manipolano più direttamente pigmenti o altri materiali. Manipolano invece il linguaggio, i parametri, i vincoli. Il gesto si sposta a monte, dall’azione materiale, all'istruzione immateriale. Ed è qui che si innesca il dibattito riguardo l'autorialità nell'arte generativa
Quindi, qual è l'opera d’arte?
Si potrebbe dire che il prompt sia il vero atto artistico. È lì che la visione si cristallizza. La codifica del gusto, la regia, il giudizio estetico. Il risultato è semplicemente una materializzazione delle istruzioni ricevute, resa da un assistente algoritmico. Potremmo dire che l'IA è il pennello, il dataset è il dipinto, il prompt è la mano.
Ma i prompt sono spesso effimeri. Possono essere anche molto brevi, funzionali, iterativi. Possiamo considerarli artefatti espressivi di per sé? Raramente. Un prompt può essere ingegnoso, ma il suo valore risiede in ciò che produce.
In alternativa, potremmo dire che l'opera d’arte sia il risultato ottenuto, come l'immagine, il video, la composizione, la musica, l’infografica, il testo e così via. Dopotutto, è proprio questo che percepisce il pubblico. In fondo l’arte è da sempre esperienza sensoriale.
Tuttavia questa alternativa rischia di appiattire l’autorialità. Se il risultato è l'opera d'arte, chi è l'artista? L’esecutore del prompt? Il modello AI o LLM? Gli ingegneri che l'hanno addestrato? I numerosi creatori le cui opere hanno dato vita al dataset?
Se fosse così l'artefatto diventerebbe ontologicamente instabile.
Probabilmente abbiamo bisogno di una terza opzione, più ampia ed inclusiva.
L'opera, in questo senso, potrebbe essere il dialogo tra prompt e risultato, vale a dire la negoziazione iterativa tra l'intenzione umana e la generazione delle macchine.
In questa visione, l'autorialità diventa relazionale in quanto l'umano fornisce una direzione, il modello artificiale offre variazioni, la curatela dell’umano diventa centrale, la selezione diventa autorialità.
L'atto di scegliere, vagliare e rifiutare centinaia di opere e selezionarne una, somiglia più all'arte del fotografo che a quella del pittore. La telecamera cattura, il fotografo inquadra e decide.
Gli artisti generativi non creano pixel ma curano spazi di possibilità.
Conclusione
Alla luce di quanto detto, l'arte, quindi, può risiedere non solo nel prompt o nel prodotto, ma nella coreografia dinamica tra di essi. Può essere definita dalla coscienza che naviga tra intenzione e sistema, dalla chiarezza etica che inquadra l'influenza e dall'intelligenza contestuale che trasforma la sintesi in significato.
Il cervello artificiale non minaccia l'arte perché copia. Ci turba perché rende visibile quanto la creazione sia sempre stata interdipendente.
Ma siamo pronti a ridefinire l'autorialità stessa?
Forse questa non è la fine dell'arte, ma la fine di una certa illusione dell’arte medesima.
Quando le xilografie giapponesi raggiunsero l'Europa nel XIX secolo, introdussero una lezione radicale. Non erano infatti capolavori unici. Erano stampe riproducibili. Potevano essere fatte in serie e quindi erano prive dell'aura tradizionalmente associata all'oggetto unico.
Eppure, trasformarono l'arte occidentale.
La Grande Onda di Kanagawa di Hokusai non sminuì la pittura. La destabilizzò. Influenzò impressionisti, postimpressionisti, designer, illustratori, fotografi, registi. L'Oriente non minacciò l'arte europea. La espanse.
L'immagine seriale, pur priva del fascino dell'unicità, dimostrò che la forza estetica non dipende dalla singolarità. Può essere moltiplicata, condivisa, distribuita, pur conservando la sua anima.
L'arte occidentale non crollò sotto la riproducibilità. Si reinventò.
Forse l'intelligenza artificiale generativa rappresenta un'onda simile.
La fine dell’innocenza artistica non significa che l'arte stia morendo. Significa che stiamo finalmente riconoscendo che l'arte è sempre stata intrisa di influenze, scambi, persino copia e trasformazione.
Il vero quesito è se, in questa Onda Algoritmica, permetteremo alla produzione su larga scala di affossare la creazione o se riusciremo ad inventarci un modo per permettere ad autorialità, riconoscimento e proprietà creativa di evolversi.
L'arte è sopravvissuta alla stampa in serie, potrebbe anche sopravvivere all’intelligenza generativa.
Ma quale sarà la sorte dei creativi che operano nella sua ombra?
Article: Astrea Nicodemo
Translation: Astrea Nicodemo
Images & Video: Eretikos Art
Le persone chiedono anche
Come viene definita la paternità (autorialità) nell'arte generata dall'intelligenza artificiale?
La paternità nell'arte generata dall'intelligenza artificiale è sempre più intesa come relazionale piuttosto che singolare. Nell'arte tradizionale, l'autore è l'individuo che esegue l'opera. Nell'intelligenza artificiale generativa, la paternità può coinvolgere la persona che progetta il prompt, il sistema che genera l'output e il più ampio set di dati che informa il modello. La maggior parte dei quadri giuridici e culturali attribuisce attualmente la paternità all'essere umano che dirige e cura il processo. Tuttavia, il dibattito rimane aperto, poiché l'intelligenza artificiale sfida l'idea di paternità come creazione puramente manuale e la sposta verso l'orchestrazione concettuale e la selezione intenzionale.
L'arte generata dall'intelligenza artificiale sta derubando gli artisti?
L'arte generata dall'intelligenza artificiale non è automaticamente un furto, ma solleva legittime preoccupazioni su come i dati di addestramento vengono reperiti e utilizzati. I modelli generativi apprendono da vaste raccolte di immagini e testi esistenti, che possono includere opere di artisti viventi. Sebbene i sistemi di intelligenza artificiale non copino in senso letterale, possono riprodurre modelli stilistici che ricordano specifici creatori. Il dibattito etico e legale si concentra su consenso, attribuzione e impatto economico. Se l'arte basata sull'intelligenza artificiale costituisca o meno un "furto" dipende da come i set di dati vengono costruiti, regolamentati e compensati.
Chi detiene il copyright dell'arte generata dall'intelligenza artificiale?
Nella maggior parte delle giurisdizioni odierne, la protezione del copyright richiede la paternità (autorialità) umana. Ciò significa che le opere generate dall'intelligenza artificiale completamente autonome potrebbero non essere tutelate dal copyright a meno che non vi sia un significativo contributo creativo umano. I tribunali e gli uffici per il copyright stanno ancora definendo cosa costituisca un "contributo umano sufficiente". Se un creativo compone in modo significativo e molto accurato i prompt, seleziona gli output e cura il risultato finale, la proprietà può essere attribuita al creativo medesimo. Tuttavia, rimangono questioni irrisolte riguardanti i dati di training, l'influenza derivata da altre opere e le potenziali rivendicazioni per violazione. La legge sul copyright si sta adattando, ma non ha ancora pienamente normato il livello di complessità dell'intelligenza artificiale generativa.
L'arte generativa è davvero originale?
L'arte generativa è originale nel senso che genera nuove combinazioni di modelli appresi, ma non è originale isolatamente. I sistemi generativi non creano dal nulla; sintetizzano a partire da vasti set di dati di opere umane esistenti. Questo rispecchia il modo in cui la creatività umana ha sempre funzionato; cioè attraverso l'influenza, la memoria e la trasformazione. La distinzione chiave risiede nella quantità di opere da cui trae ispirazione e nella velocità di generazione. L'intelligenza artificiale comprime secoli di influenza estetica in pochi secondi di generazione. Che questo diminuisca l'originalità o la ridefinisca dipende meno dalla macchina e più da come intendiamo la trasformazione creativa stessa.
Quali sono le preoccupazioni etiche riguardo l'intelligenza artificiale nelle industrie creative?
Le principali preoccupazioni etiche riguardano il consenso, la remunerazione, l'attribuzione e l'asimmetria di potere. Molti sistemi di intelligenza artificiale generativa sono addestrati su grandi set di dati che possono includere opere di artisti viventi che non ne hanno autorizzato esplicitamente l'inclusione. Ciò solleva interrogativi sul fair use, l'impatto economico e il riconoscimento. C'è anche il timore che l'intelligenza artificiale possa amplificare le disuguaglianze esistenti nelle industrie creative, aumentando la visibilità per alcuni e oscurandone altri. Un'intelligenza artificiale etica nell'arte richiede trasparenza nell'approvvigionamento dei dati, modelli economici equi e quadri normativi che proteggano i creatori emergenti dall'invisibilità sistemica.
Come stanno rispondendo gli artisti all'arte generata dall'intelligenza artificiale?
Gli artisti stanno rispondendo all'intelligenza artificiale generativa in modi diversi e spesso contraddittori. Alcuni la accolgono come uno strumento collaborativo, integrando ingegneria immediata e sistemi algoritmici nella loro pratica creativa. Altri la criticano, evidenziando preoccupazioni relative a lavoro, paternità e appropriazione. Molti stanno sperimentando modelli ibridi in cui l'intuizione umana e la generazione automatica coesistono. Invece di sostituire gli artisti, l'IA sta stimolando una ridefinizione dei ruoli artistici. Si nota infatti il passaggio da esecutore materiale a orchestratore di spazi di possibilità.
L'IA cambierà il futuro dell'arte?
È probabile che l'IA cambi il modo in cui l'arte viene prodotta, distribuita e definita legalmente, ma non l'impulso umano fondamentale a creare. Storicamente, i cambiamenti tecnologici, dalla stampa alla fotografia, hanno sconvolto la pratica artistica senza eliminarla. L'IA generativa potrebbe rappresentare una svolta simile. Sfida il mito dell'innocenza artistica e impone una riconsiderazione di originalità, proprietà e influenza. Il futuro dell'arte non dipenderà dalla capacità dell'IA di generare immagini, ma da come le società ristruttureranno potere, riconoscimento e opportunità creative in risposta a tale capacità.
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